"¡Viva el vino!" (Mariano Rajoy, 2007)

Quatermass Rock : Anathema - "We´re Here Because We´re Here"


Ya sabéis que en la sección Quatermass Rock solo comento aquellas novedades que merecen la pena al 100%, y esta vez la recomendación no puede ser más sincera (meses llevo esperando a escuchar un disco que merezca tal honor).

Los más empollones ya sabrán que Anathema es un grupo que apareció a mediados de los 90 dentro de la corriente de doom metal melódico junto a otros grupos como Paradise Lost y My Dying Bride en la celebrada discográfica Peaceville. Antes de que la mayoría dejéis de leer os comento que el sonido de Anathema enseguida fue dejando el metal de lado para abrirse a otras influencias como el rock alternativo (su sonido a finales de los 90 se acerca a unos Radiohead más rockeros) y el rock progresivo (nunca han ocultado su admiración por Pink Floyd y han realizado varias giras con Porcupine Tree, con quienes les he visto tocar un par de veces).

Pero la historia de la banda de los hermanos Cavanagh es la de un grupo que pese a realizar buenos álbumes y contar con cierto reconocimiento nunca acababa de entregar esa obra que les hiciera dar el salto definitivo. Además, después de su notable "A Natural Disaster" de 2003, se quedan sin compañía discográfica y solo la fe en ellos mismos les lleva a no tirar la toalla. Nada menos que siete años han tenido que pasar para que Anathema estrene álbum dentro de la discográfica Kscope, en cuyo fichaje ha tenido que ver que la banda haya contado con la confianza ciega y la producción de Steven Wilson, una de las mentes más clarividentes del panorama rockero actual.

Y resulta que "We´re Here Because We´re Here" es un puñetazo en la mesa de un grupo resentido, una reivindicación en toda regla de su potencial. Para nada siete años de gestación han resultado en un álbum poco fresco y sobreproducido. Los miembros del grupo han mejorado durante todo este tiempo como compositores y músicos, sonando especialmente la voz de Danny Cavanagh como nunca. Han consiguiendo sacarse de la manga diez temas espléndidos con imaginativos arreglos que rebosan elegancia y consiguen aquello que solo logran los álbumes verdaderamente singulares: que en cada escucha descubras detalles nuevos que te hagan regresar una y otra vez a ese mundo de sonoridades bellas y emotivas.

La producción de Steven Wilson se nota no solo en que cada instrumento suena en su sitio y en el detallado sonido conseguido, sino en que quizá les ha ayudado en dar un pequeño salto adelante en sus influencias progresivas. La parte final del álbum es un festival en este sentido con las maravillosas orquestaciones de "Universal" o las guitarras sinfónicas de "Hindsight" que reivindican que no se han olvidado de Pink Floyd.

Haceros un favor y disfrutar desde ya de un disco que acabará muy alto en cualquier lista que se precie a finales de año, al tiempo.

Aquí os dejo con una de las joyitas del álbum:

Los mejores discos de rock progresivo del año (pasado)

El foro de rock progresivo "La Caja de Música", que ha pasado por tiempos mejores pero que mantiene una estimable salud, ha publicado los resultados de una votación para elegir los mejores discos de rock progresivo de 2009. Hay que decir que ese foro (en el que colaboro ocasionalmente, aunque antaño colaboraba bastante más), pese a estar catalogado como especializado en rock progresivo, cubre un abanico de estilos mayor como pondrán en evidencia los resultados. Así que los ganadores son :

1. Porcupine Tree - The Incident - 112 puntos

2. Riverside - Anno Domini High Definition - 85 puntos
 
3. Transatlantic - The Whirlwind - 70 puntos

4. IQ - Frequency - 60 puntos
5. Steven Wilson - Insurgentes - 51 puntos
6. Dream Theater - Black Clouds and Silver Linings - 42 puntos
7. Phideaux - Number Seven - 38 puntos
8. Wobbler - Afterglow - 36 puntos
9. Devin Townsend Project - Addicted - 33 puntos
10. Magma -  CBmehntehtt-Ré - 33 puntos


Y bueno es una buena referencia, pero como buenos discípulos del Doc. deberíais hacer más caso a mi votación, así que en mi opinión los mejores discos de 2009 (sin distinciones estilísticas) fueron:

1. Steven Wilson - Insurgentes

2. Porcupine Tree - The Incident



3. Gazpacho - Tick Tock

4. Mastodon - Crack the Skye

5. Muse- The Resistance


6. Lobster Newberg - Actress
7. Present - Barbaro (ma non troppo)
8. Callisto - Providence
9. The Decemberists - The Hazards of Love
10. Indukti - Idmen
11. Riverside - Anno Domini High Definition
12. Aviv Geffen - Aviv Geffen
13. Taipuva Luotisuora - IV
14. Magma -  Ëmëhntëhtt-ré
15. Shadow Gallery - Digital Ghosts
16. And So I Watch You From Afar - And So I Watch You From Afar
17. The Devin Townsend Project - Ki
18. The Devin Townsend Project - Addicted
19. The Tangent - Down And Out In Paris And London
20. Flaming Lips  - Embryo


Cualquiera de esos 20 discos merece mi más sincera recomendación. Quien haya perdido la confianza en el rock y se quede indiferente escuchando mis 5 primeros, no merece llevar orejas.... El álbum de Steven Wilson es para mi uno de los mejores no solo del año sino de la década, un disco de aquellos que te vuela el cerebro y que contiene absolutamente de todo, un día lo analizo en detalle, pero irle dando una escucha. Recomendadísimo. Por cierto que ya hablé de Porcupine Tree y Steven Wilson en este post.

Luego tenemos a Gazpacho, un grupo que bascula entre la herencia del Marillion post-Fish y los primeros Radiohead, pero que ha desarrollado un sonido propio muy melancólico y de grandes melodías. Seguimos con Mastodon, que se marcaron uno de los mejores discos de metal de los últimos tiempos, increíble. Y mi top-5 acaba con Muse, que ya sabemos que no inventan la rueda, pero que su álbum para mi es completísimo por mas que haya temas que suenen a Depeche Mode y otros (dicen) que a Camela (!).

The Box

Richard Kelly, 2009
Después de la sorpresa que fue en su día “Donnie Darko” (maravillosa), y del tropezón hostión de Southland Tales, por fin parece que Kelly ha encontrado el punto medio a su megalomanía narrativa con una historia que como mínimo parece dimensionada como para ser explicada en una película. Como sabréis, “The Box” es la historia de una familia que un buen día recibe por sorpresa una caja con un botoncito que al apretarlo provoca la muerte de un desconocido al mismo tiempo que otorga un premio de un millón de dólares. Como cualquier hijo de vecino, los protagonistas pulsan el botón viéndose metidos a partir de ese momento en una espiral de acontecimientos relacionados con un experimento llevado a cabo por… me callo que os reviento la película. Mira, la voy a reventar en el primer comentario con un peazo SPOILER, avisados estáis.

-¿Pretamos o no pretamos?-

Ésta vez Kelly consigue sacar adelante la película aplicándose una mínima contención narrativa, los acontecimientos se desgranan sin tener la sensación de que la historia fluye por la cabeza de su autor al triple de la velocidad con que es capaz de explicarla. Y ello sin obviar que la película tiene carencias, Cameron Díaz no está especialmente afortunada y para cuando llegan las grandes revelaciones, éstas se hacen en una breve escena que casi no te permite asimilar lo que se cuece. Y claro, al cine de este hombre siempre parece que le sobra (en el mejor de los casos) una vuelta de rosca, y en este caso tenemos esa tontuela escena de las tres puertas y el aterrizaje acuático en la cama, que da para una impactante escena en un trailer, pero que es completamente prescindible.

-Pedazo de diseño la cajica de marras-

Pero mira, en el palomitero panorama de hoy en día, es extraño encontrar propuestas dentro del fantástico que desgranen historias complejas y de cierto calado (porque el tema egoísmo versus libre albedrío tiene su gracia). Y si además se integra en una historia que se desarrolla con una progresión dramática acertada que liga cabos de diferentes puntos del argumento, especialmente ese brillante final, pues que queréis que os diga, yo me doy por recompensado. Siempre podemos pedir más, pero creo que “The Box” en líneas generales está mejor de lo que se podía esperar, y quizá por eso me ha dejado un buen sabor de boca.
Valoración: 7/10 .

Efectos especiales en Cineuá

Pues ya está aquí el segundo número de Cineuá, la revista de cine On-Line que solo por el entusiasmo que derrochan sus editores merece toda nuestra atención. Este número está dedicado a los avances del cine a lo largo de su historia (sonoro, color, 3D, etc.) y tenéis ahí un buen puñado de escritos de lo más interesante.

Incomprensiblemente me han vuelto a proponer aportar alguna cosilla, y pese a lo exiguo de la oferta económica que apenas me dará para pagarme las vacaciones, decidí colaborar con tan magna publicación pese al riesgo de quedar en evidencia ante el nivel del resto de colaboradores. Así que cuando os hayáis leído los contenidos realmente buenos, podéis echarle un ojo a mi escrito sobre los efectos especiales tradicionales, un recorrido por la historia del cine y las técnicas y películas que han permitido hacernos soñar desde hace décadas.


Si queréis descubrir cuanto costó construir un almacén del tamaño del que aparece al final de la primera película de Indy, como Méliès descubrió por casualidad la manera de hacer aparecer y desaparecer personas, o como conseguir otorgar a los Hobbits su tamaño en la trilogía del anillo, pues solo tenéis que pinchar en este enlace.

Y ya sabéis, como la revista no permite comentarios, serán bienvenidos en esta entrada: ¿Me dejo alguna peli clave en cuanto a efectos especiales pre-ordenador?, ¿están todas las técnicas que deberían?, ¿hay alguna metedura de pata (seguro que la hay)?....

It Might Get Loud (2009) ....Rock Movies by TQX....

Davis Guggenheim, 2009
Muy curiosa e interesante la propuesta de este documental: Juntar a tres generaciones de guitarristas, cada uno muy representativo de su época, para que interaccionen entre ellos ya sea charlando, explicando sus historietas, o mostrando trucos para tocar sus canciones. Y hasta componen una canción algo y todo.

Los elegidos casi no necesitan presentación: Jimmy Page, alma mater de Led Zeppelin, The Edge, el carismático guitarra de U2, y el freak de Jack White (The White Stripes). La verdad es que tanto Page como The Edge me parecen elecciones impecables en cuanto a guitarras representativos de su época y que tienen un sonido muy propio. Me chirría un poco White, desde luego representativo de la época pero con un sonido demasiado retro (de hecho diría que parcialmente inspirado en el propio Page). Podrían haber escogido a alguien más innovador dentro de los sonidos roqueros del nuevo milenio, pero desde luego este hombre tiene cosas interesantes que explicar.

Pero no se trata solo de cháchara en estudio, gran parte del documental (y diría que lo más interesante) es cuando cada uno de ellos recorre los lugares donde se formaron sus bandas y nos explican la historieta que ya nos sabemos pero que siempre mola que te vuelvan a explicar si se hace bien. Nos hablan de sus influencias, de cómo usan la tecnología, de cómo se relacionan (o relacionaban) con sus compañeros de banda, de sus héroes y discos que les impactaron, muchas cosas que a mi me han parecido interesantísimas.

Algunas cosas muy curiosas como ver a White construyendo una guitarra con una botella de coca-cola, dos maderas, una cuerda y una pastilla en 5 minutos, pegarse un solo y oírle decir: “¿quién dice que hace falta dinero?”. De hecho este hombre reivindica la vuelta a lo primario, usa en directo guitarras de plástico que compra en supermercados y solo hay que ver las influencias que cita: bluesmen de épocas remotas.

-¡The three men in action!, el de en medio no es Flavio Briattore contra lo que pudiera parecer-

Sobre The Edge, esta película me ha hecho darme cuenta de que me he autoimpuesto un olvido injusto sobre U2. Yo fui muy fan de esta banda amigos. Durante los 80 y primeros 90 para mi eran lo más hasta que sacaron el “Pop” y nunca más quise volver a saber de ellos, seguramente de forma injusta visto con perspectiva. Pero su música en los 80 es muy grande, y este documental rescata de forma impecable su legado. Además de que The Edge explica cosas interesantísimas sobre como crea sus sonidos, ¡el tío se lleva un pedazo de rack de 2x2 metros a la playa!

¿Y que decir de Page aparte de su discutible look de playboy sexagenario?, interesantísimo también todo lo que explica y verle explicar el nacimiento de algunos de sus temas o el recorrido por la mansión donde los Zeppelin grabaron el “IV”.

Este documental me parece imprescindible para cualquier amante del universo rock independientemente de que te gusten más o menos esas bandas. Estos tres tíos son grandes y sus bandas también, y el director ha sabido crear un film muy ameno y entretenido con esos mimbres.
Valoración: 8/10

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¡Godzilla y Julio Medem van a patearos el culo!



Si es que ya no se que hacer para inculturizaros, pongo una encuesta para que valoréis potenciales series de artículos futuros y dejáis al puto amo Godzilla a la altura del betún con solo 3 personas votando a favor de un total de 54. Merecéis que el Kaiju por excelencia protagonice un drama de realismo social dirigido por...... ¡Julio Medem!, el otro al que estáis dejando por los suelos, pero hombre... ¿esto que es?, el maestro de los dramas existenciales desquiciados con más tetas, penes y zurullos de la cinematografía mundial con menos votos que Pajares y Esteso. No se que os pasa pero esta afrenta me la pagáis, creo que os voy a someter a un especial de 400 posts sobre la psique de Godzilla y los paralelismos entre el monstruo y el cine de Medem, que haberlos los habrá, y sino algo me inventaré.

¡Esto no me lo esperaba de vosotros!, saludos indignados...

PD: Si en el fondo lo que queréis es esto, pervertidos:


Wes Anderson (1996-2001): Bottle Rocket, Rushmore, The Royal Tenenbaums


Pues muchas gracias a los que me recomendasteis repasar la filmografía de Wes Anderson tras la reseña de Fantastic Mr. Fox, la verdad es que nunca me había interesado por este director pero el repaso a sus primeras tres películas ha sido bastante satisfactorio. Como mínimo he encontrado una manera fresca de narrar, un sentido del humor poco convencional, y desde luego un universo propio. Anderson hace comedias dramáticas o dramas cómicos, según como se mire y desde mi punto de vista su mejor virtud es que define muy bien a unos personajes a los que acabas por coger cariño, quizá (y esto lo digo teniendo en cuenta solo sus tres primeras películas) se le pueda acusar de aplicar una fórmula o de resultar un poco caótico en su narrar con historias que acaban tomando mil direcciones en lugar de reforzar una trama central sólida, pero en líneas generales las virtudes del guión, la puesta en escena, el ritmo frenético, las cuidadas bandas sonoras y ese sentido del humor tan especial hace que la balanza se decante del lado positivo.

 -Algunos de los imposibles protagonistas de "The Royal Teenembaums"-

Esos personajes con los que resulta fácil empatizar suelen arrastrar traumas personales (adicciones, personas queridas fallecidas, deudas del pasado…) y a causa de ello están llenos de manías y comportamientos peculiares. Los personajes femeninos suelen hablar poco y decir mucho: Se pueden encontrar muchos paralelismos entre la Inés (Lumi Cavazos) de “Bottle Rocket”, la Rosemary Cross (Olivia Williams) de “Rushmore” y la Margot Tenenbaum (Gwyneth Paltrow) de “The Royal Tenenbaums”, personajes todos ellos tan frágiles y melancólicos que te acaban enamorando, o como mínimo a mi que soy un blandengue me vendieron la moto. Y recalcar que los castings suelen ser acertadísimos utilizando casi siempre a los mismos actores entre los que están gente de probada eficacia como Angelica Houston o Bill Murray y algunos más dudosos como los hermanos Wilson (Luke y Owen, que suele co-escribir los guiones).



Anderson debuta en 1996 con “Ladrón que roba a un ladrón (Bottle Rocket)”, una road movie protagonizada por un ex-enfermo mental, un vividor con sueños de grandeza delictiva a largo plazo y un amiguete con el único mérito de tener un coche disponible. Los tres acaban trabajando para un mafioso (un James Caan haciendo prácticamente de sí mismo), con el que darán el más disparatado golpe imaginable. Una película que transita por diversos géneros, desde la comedia, al romance (esa bella historia de Inés) o la acción, y que quizá no tenga todos estos elementos tan cohesionados como las películas posteriores, pero que sin duda merece la pena.
Valoración: 7/10


“Rushmore” (1998), narra la historia de un imposible triangulo de amistad/amor entre un adolescente mal estudiante pero aficionado a organizar mil y una actividades, una joven profesora recién llegada con el trauma de haber quedado viuda, y un empresario hastiado de su familia que encontrará en la relación de amor y odio con ambos su motivo vital. Todo ello en el marco de un exclusivo colegio que es el cuarto protagonista. Una amarga revisitación de la época adolescente dentro de un original planteamiento y con momentos divertidísimos.
Valoración: 7/10


“The Royal Tenenbaums” (2001) es una versión corregida y aumentada de esas dos películas previas. El número de personajes y tramas se dispara en la improbable historia de una familia rota durante muchos años que por circunstancias de la vida se ve obligada a convivir de nuevo. Anderson se maneja muy bien en ese reparto coral, y elabora una comedia vital de gran eficacia, llevando a la perfección la definición de personajes imposibles apoyada por un estupendo reparto en el que destaca Gene Hackman como el caradura padre de familia y Gwyneth Paltrow como la hija adoptada protagonista de muchos de los problemas familiares. El guión está lleno de detalles geniales como ese adolescente sobre cuyos problemas el personaje interpretado por Bill Murray está escribiendo un libro y que acaba apareciendo en casi todos los planos de la película, y como no, ese gran plano secuencia final donde en un par de minutos vemos como se resuelve la historia para todos los personajes, brillante. De verdad que me ha parecido una grandísima comedia que en su momento se me escapó y la recomiendo como punto de entrada al universo Anderson.
Valoración: 8/10



PD: “The Royal Tenenbaums” tiene un guión con algunas frases geniales, un ejemplo:

Royal Tenenbaum: “Por favor dime que no piensas que soy un gilipollas”
Henry Sherman: “No tranquilo, solo pienso que eres un hijo de puta”
Royal Tenenbaum: “Gracias, no sabes como aprecio esas palabras”

PD2: En un par de semanas la segunda parte con las últimas tres películas de Anderson (y sí, voy a repasar "Fantastic Mr. Fox" a ver si me perdí algo)...
  

Delirios Escénicos Extremos (IV) : Ritchie Blackmore


No porque el protagonista de este delirio sea uno de los mejores guitarras EVER, vamos a obviar que su proceso de machacamiento de Stratocaster es francamente cutre y vicisitúdico (dícese de aquello que produce vergüenza ajena). Es que uno, en los momentos finales del proceso, aparte del "WTF?" no puede dejar de plantearse en que narices están pensando los elementos de primera fila aparte de ver peligrar su integridad física por impacto de guitarra en proceso de destrucción.

Siempre me ha parecido una auténtica gilipollada el hecho de cargarse guitarras u otros instrumentos en un escenario pero cuando vi este (por otra parte magnífico) concierto de Rainbow, y asistí a esos surrealistas momentos no pude evitar quedarme con la boca abierta ante la magnitud de la ida de olla.

Ya puestos The Who le ponían más ganas, y Jimi Hendrix más elegancia.... The worst guitar smasher EVER?



Pronto una nueva entrega de "Delirios Escénicos Extremos", la sección que os revela las bandas que sobre el escenario han realizado las mayores psicotronías EVER.

El Fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise) ....Rock Movies by TQX....

Brian de Palma, 1974 
De entrada diré que esta película es una de mis favoritas tanto dentro del mundo de las óperas-rock como dentro del fantástico contemporáneo (llamar contemporáneo a algo de 1974 seguro que denota lo viejo que soy, pero es que la película realmente se adelanta a su tiempo). Brian de Palma haría cosas muy interesantes a partir de esta película y también algunos bodrios, pero este "Phantom of the paradise" es para mi una maravilla que nunca me canso de revisar por múltiples motivos.

Veamos, Brian de Palma sentía como su creatividad se veía limitada por las cortapisas que los estudios le imponían, y observó el mismo efecto agravado si cabe entre sus amigos músicos, así que le vino a la mente realizar una película fantaseando con un productor de rock a quien los artistas venden su alma a cambio de su relevancia artística en el mejor estilo del mito de Fausto. Al mismo tiempo, la idea de realizar una nueva versión de "El fantasma de la ópera" en clave ópera-rock llevaba algún tiempo revoloteando por los estudio, así que De Palma cogió el toro por los cuernos e hizo realidad para nuestro regocijo esta ópera-rock de horror gótico sobre Swan (Paul Williams), un retorcido productor musical que compra el alma de Winston (William Finley), un brillante pero incomprendido escritor de canciones tras sufrir esté un accidente que le deja desfigurado y mudo. Y no podía faltar claro, la fémina que completa el triangulo amoroso que articule la venganza de Winston, encarnada en la aspirante a cantante Phoenix (Jessica Harper).

-Swan maquinando su proximo contrato, digo....¡compra!-

Un hecho sorprendente es que la magnífica banda sonora es completamente original, uno pensaría al verla que se trata de una adaptación de un musical, pero no, Paul Williams (sí, sí, el mismo que encarna a Swan) escribió las memorables canciones que acompañan la historia y se trata de un trabajo completamente original para la película, y ese puñado de canciones que recorre casi todos los estilos del rock hasta la época es para quitarse el sombrero.

De Palma realizó una película con un estilo voluntariamente efectista, con una original manera de montar sus escenas que le daban una apariencia próxima al cómic. Otra gran contribución a la grandeza de la película la tenemos en un acertadísimo y colorista diseño de producción que consigue recrear un mundo gótico dentro de estudios de grabación, oficinas de corporaciones del mundo del rock o "The Paradise", el teatro que Swan pretende inaugurar para que sirva de escenario a sus artistas. Y ya puestos a enunciar méritos de la cinta, que decir de esa increíble creación de Swan a cargo de Paul Williams, dando como nadie el papel de ese productor musical satánico con esa voz penetrante y tenebrosa.

-Winston Leach conectado a sus cacharros tras haber pasado por el estilista-

Podría recordar sin parar escenas memorables como ese maravilloso momento cuando Swan va manipulando poco a poco los controles de su estudio para restaurar la voz de un Winston conectado a un monstruoso sintetizador después del accidente donde éste la pierde (otro momento por cierto, plasmado de forma majestuosa). Y que decir de ese gran final donde en plena función se desencadena la tragedia, un final poderoso donde los haya que culmina cualquier expectativa que el desarrollo de la trama nos hubiera creado.

-¡Un poco de acción para terminar!-  

En fin, no se cuan compartido será mi entusiasmo hacia esta obra de arte pero personalmente este cruce de Lerroux y Goethe pasado por el filtro de las vicisitudes de la industria del rock me hace disfrutar como un enano en cualquier revisión (y llevo unas cuantas). Me parece una gran puesta al corriente del horror gótico de la Universal dentro de un ingenioso contexto, con el riesgo añadido de una versión opera-rock que en lugar de lastrarla acaba por encumbrarla gracias a su memorable banda sonora.

Imprescindible es poco y no se cuanto le faltaría para obra maestra.
Valoración: 9/10 .


Mis voces de pito favoritas (Rush / Kate Bush / Mars Volta / Pavlov's Dog)


De la feria del disco del otro día salí hinchado de vinilos de Rush y Kate Bush, artistas que me apasionan. Me preguntaba mi mujer que veía en común en ellos, porque para ella son como la noche y el día y el asunto me dio que pensar: Hard rock progresivo por un lado y Pop vanguardista por el otro, después de mucho darle vueltas a tan trascendente asunto, por fin he dado con el aspecto que supone el nexo de unión entre ambos mundos: tanto Geddy Lee (bajo y voz de Rush) como Kate Bush....¡Tienen la voz de pito!, vean vean:

Geddy Lee: Una de las voces más increíblemente agudas, poner un disco suyo a todo volumen hace peligrar la cristalería del hogar:




Kate Bush y su maravilloso "Wuthering Heights", una voz de canario-flauta con el selector de octavas a final de escala.




Pero ya puestos me ha dado por reflexionar y me he dado cuenta de que algunos de los grupos que me apasionan no están lejos de esta tendencia. Aquí los enormes The Mars Volta y la voz de castrati de Cedric Bixler Zavala, una de aquellas voces extremadamente agudas que para mi sorpresa es capaz de entregarla en directo con la misma precisión, como pude experimentar en su tremendo concierto de Barcelona de hace un par de años.




Y para acabar con tan interesante tema os dejo con un grupo americano de finales de los 70 llamado Pavlov's Dog, del que os recomiendo sus dos primeros discos, preciosos e imprescindibles. Su cantante, David Surkamp, es otro de aquellos personajes que arranca la pregunta.... ¿es un hombre o una mujer?, una voz extremadamente aguda pero preciosa....




Aquí lo dejo, aunque tenía más : Coheed&Cambria, Sting, Jon anderson, Joanna Newsom, Thom Yorke, Jimmy Sommerville, Roger Hogson, James la Brie......

¡Vote usted!

Tenéis ahí en la barra de la derecha un par de encuestas para que os pronunciéis sobre:

a) posible series de reseñas que os puedan interesar (de momento de cine, posiblemente pondremos otra más adelante de rock)

b) vuestros gustos de ocio "cultural" (ya se que comer, dormir, y aparearse os gusta a todos)

Ambas encuestas son multirrespuesta, podéis marcar todas las opciones que os de la gana vamos, y si alguna propuesta no está pues la ponéis como comentario de esta entrada....

Todo ello 'just for fun' o no, ya veremos, porque por mucho que me digáis que os gusta la danza no voy a hablar de lo que no tengo pajoteria idea, pero como mínimo si que así nos conocemos todos un poco mejor.

¡Gracias por participar!

....

Trilogía de Apu: La Canción del Camino (Pather Panchali)

Satyajit Ray, 1955
Si Akira Kurosawa dice que: “No haber visto el cine de Ray es como existir en este mundo sin haber visto el Sol o la luna“, pues no soy yo nadie para contradecirle, de hecho al cruzarme el otro día con este DVD y recordar la aparición de esta película en muchas de las listas de mejores películas de la historia, me auto-impuse la tarea de validar tales merecimientos, que este Magno Reducto de Sapiencia Popular y Frikismos Varios (MRdSPyFV) no solo va a dedicarse a reseñar bizarrismos y hacer posts en 20 minutos….

“Pather Panchali” es el debut como cineasta de Satyajit Ray, cineasta indio que consiguió sacar adelante esta película con un presupuesto ridículo, teniendo que suspender el rodaje durante meses en diversas ocasiones por problemas presupuestarios y pudiendo terminarla solo gracias al apoyo de diversos cineastas extranjeros que visitaban India como Jean Renoir o John Huston y a la financiación en última instancia del MOMA de New York. Termino aquí con los datos wikipédicos, que os los podéis leer vosotros solitos, y así Mónica no se queja de que hago textos enciclopédicos.

Ver esta película es como asomarse a otra realidad mirando por un agujerito en la pared de la destartalada casa de la familia de Apu porque nada especial pasa en esta película. Ray pone su cámara y somos testigos de la cotidianeidad de una familia miserable hasta que casi podemos sentarnos con ellos a comer arroz hinchado. Las mejores escenas retratan momentos tan cotidianos como la ilusión de los niños (Apu y su hermana mayor Durga) ante la llegada de un vendedor de golosinas, el torpe vagar por la casa de la anciana de la familia, o las discusiones domésticas de los progenitores sobre como conseguir salir de la pobreza.

-Apu y sus enormes ojos acaban siendo los nuestros-

Se trata también de cine de valores familiares con singulares aproximaciones al sentimiento paternal: Tan intenso es el amor y protección que Sarbajaya profesa por sus hijos como el desprecio que siente por su nuera, a quien no siente el deber de cuidar. En ese sentido una escena absolutamente inolvidable por su patetismo es su fallecimiento olvidada en medio del bosque ante la mirada inocente de los dos niños. El papel de la anciana es en todo momento inolvidable y Ray consigue cada vez que aparece en pantalla reivindicar sus objetivos de hacer cine realista: No estamos acostumbrados a contemplar personajes de apariencia tan descuidada, esquelética, apenas sin cabello, con facciones seniles, y caminando completamente encorvada, cada aparición suya en pantalla nos impacta. De hecho la salud de esta actriz era tan frágil que en cada parada del rodaje por problemas presupuestarios, Ray temía que falleciera.

Además en cuanto a aspectos técnicos resulta complicado imaginar cómo se pudo conseguir ese resultado con tan poco presupuesto, la fotografía en B/N esculpe el relieve de esos rostros áridos y bellos al mismo tiempo, y lo mismo puede decirse de la textura de las selvas. Y la banda sonora de Ravi Shankar (el músico hindú reivindicado años más tarde por la psicodelia británica) aporta todo lo necesario con su instrumentación tradicional para ilustrar la historia.

-La expresividad de la cara de la anciana al recibir los regalos de Durga vale por media película-

Cine de ese que se aprecia en toda su magnitud habiendo dejado reposar lo visto un par de días. Al finalizar la película uno no puede dejar de tener la sensación de: “pues está bien pero no hay para tanto”, pero solo recordar escenas como aquella donde los niños protagonistas recorren un largo camino para conseguir ver el tren y no conseguirlo al taparles la visión unas gigantescas hojas de palma, nos pone en su lugar a este “Pather Panchali”, la primera de las tres películas que conforman la llamada “Trilogía de Apu” que sigue a este personaje durante su adolescencia y juventud.

“Pather Panchali” consiguió todos los premios habidos y por haber en festivales europeos a mediados de los 50 y está considerada con todo merecimiento uno de los mejores films salidos de la cinematografía india. Quizá Kurosawa exageraba un poco pero incluir esta película en una lista de las mejores de la historia me parece del todo merecido.
Valoración: 9/10 .

Guilty Pleasures, Zoolander, y posts en 20 minutos

El post de los 20 minutos.

Este post es un experimento, resulta que cada vez me cuesta más encontrar tiempo para postear con el nivel de calidad que a mi me gusta en cuanto a contenido y maquetación, así que quizá los formatos, pies de foto, etc. tengan que quedarse guardados en el armario durante una temporada. Pero a mi lo que me pasa es que soy un perfeccionista y frecuentemente retoco y retoco los post hasta que me llevan más tiempo del necesario. En este caso me he propuesto dedicar 15 minutos en el Word para escribir el texto y máximo 5 para publicarlo, total 20 minutos, prometo dejarlo esté como esté, o sea que si al final el texto está inacabado, con faltas, o no hay fotos ya sabéis a que es debido.

Este post se titula : “Zoolander y los Guilty Pleasures”

Sí amigos, esa maravilla que ahora llamamos Guilty Pleasures. Nos puede gustar la cosa más horrible, hortera, desfasada y freak que sólo explicando que es tu Guilty Pleasure ya lo podemos explicar en público, así de snobs nos hemos vuelto. Un par de palabros en inglés y ya podemos decir en público que nos gusta El Fary, nos entusiasma “Transformers 2” o disfrutamos de la lectura de la prensa del corazón (vertiente “Cuore”, que el “Hola” es para intelectuales).

Pero venga, vamos a jugar al juego de los Guilty Pleasures y uno de los míos debo confesar que es “Zoolander”, sí amigos esa comedia descerebrada dirigida por un señor que a juzgar por lo que me ha gustado también Tropic Thunder debe ser un cineasta como mínimo acreedor (de momento) a esa denominación. “Zoolander” es una alocada comedia sobre un modelo masculino que se ve envuelto en una trama conspiratoria para asesinar al presidente de Malasia, urdida por un ex-miembro de los Frankie Goes to Hollywood reconvertido a diseñador de moda que lava el cerebro a nuestro protagonista (Stiller claro), para asesinar en cuanto oiga el mega-hit ochentero “Relax”. Anda también por ahí Owen Wilson que no suele ser santo de mi devoción pero cumple como archi-rival de Stiller que acaba convertido a la causa común contra el malo maloso (Will Ferrell, están todos los comicuchos de la última década). La mitad de vosotros ya estáis pensando en que he perdido el poco crédito que me quedaba, pero me pregunto porque si traemos a colación películas de los ochenta como “Aterriza como puedas” o la reivindicada en cada cena a la hora de la segunda ronda de copas “Top Secret”, todas ellas dentro del calificativo “películas de paridas”, no puede tener “Zoolander” igual consideración. Que estas cosas pueden hacer gracia o no, pero muchos lo intentan sin conseguirlo (ie: “Zoohan”).

Y pese a que apuesto que a la mayoría de vosotros ni puñetera gracia, pues a mi me hizo bastante, esa pelea de modelos, esas poses con denominación de origen, esos bizarros personajes secundarios… Película freak sin duda, pero tiene mérito el ritmo que destila, los gags más o menos inspirados, e hilvanar un argumento descerebrado pero como mínimo divertido. Le pondría un 6/10 según como suelo puntuar.

Llevo diecinueve minutos, un minuto para publicar… mierda 2 minutos, me he pasado, total 21: He fracasado y además he incumplido mi palabra, no tengo perdón.....

Locos por el vinilo (feria del disco Barcelona)

Este fin de semana se ha celebrado en Barcelona la IX edición de una de las tantas ferias del disco que tenemos por aquí (suelen salir a un par por año). A estas alturas de decadencia del formato CD, el vinilo es el rey de estos eventos, en dos vertientes claras, los que comercian  poco menos que "a peso", con cubetas y cubetas con cientos de vinilos "todo a X euros", siendo X un valor que va menguando conforme avanza el final de la feria (un expositor holandés tenía todo a 2 euros cuando he llegado y ya entonces había localizado cosas interesantes, cuando me iba he visto que ya eran a 1 euro, resultado : me he hinchado).

Por otro lado tenemos los expositores "de calité", consistentes en tener material raro y escaso en cantidad con precios que pueden llegar hasta 250 euros por LP (he tenido uno en mis manos con miedo a que se me rompiera y todo), de hecho he visto pagar 200 euros por un single de The Beatles. Y entre los dos extremos, lo que a mi más me pone, son los expositores de vendedores ingleses o américanos, donde poderse pillar ediciones originales de álbumes.

Porque amigos, ¿porque en España tuvimos que sufrir esas miserables ediciones en carpeta simple, sin insertos ni letras de las canciones, con vinilos delgados como un papel de fumar? Ya sabemos que los ladrones siempre han estado rondando por aquí, pero es que es comparar casi cualquier disco con su edición homónima UK y encontrarte con carpetas dobles de cartón-piedra, insertos con las letras, posters, y vinilos de medio kilo, un pedazo de galletón que casi parece irrompible. Y eso a mi, pues me mola mucho. Reemplazar tu vinilo mierda de pongamos por caso... Rush, por su edición original norteamericana a 8-10 euros de nada, pues para mi merece la pena. Por no hablar de discos que nunca has tenido en vinilo o en ningún otro formato.....

Y es que esto del vinilo tiene su gracia, creo que he salido con 10 long-plays (casi) impolutos por unos 30 euros. Algunos de "plan renove", otros que siempre había querido tener en ese formato, y otros que nunca he oído, pero es lo que tiene rebuscar entre miles de vinilos, que alguno siempre te hace un guiño y a 1 euro.... ¿quien puede resistirse?.

¡Larga vida al vinilo!